Stagione di Prosa - Comune di Barletta

Isolati per una tempesta di neve nella locanda di Castel del Frate, Mollie e Giles Ralston, coppia di giovani albergatori, e i loro cinque strani clienti, sono costretti ad affrontare una drammatica avventura. Tra di loro infatti si cela un assassino psicopatico che ha già ucciso una persona a Londra. Ma sotto quale travestimento si maschera il colpevole? Toccherà al sergente Trotter, della polizia di Scotland Yard, arrivato nella locanda prima che la comunicazione fosse interrotta, individuare il misterioso omicida intenzionato a colpire ancora. Trappola per topi è, oltre ad essere un capolavoro della letteratura, lo spettacolo più replicato della storia del teatro. Il tipo di commedia, come disse Agatha Christie, "alla quale si può portare chiunque. Non è proprio un dramma, non è proprio uno spettacolo dell'orrore, non è proprio una commedia brillante, ma ha qualcosa di tutte e tre e così accontenta la gente dai gusti più disparati".

Dopo il grande successo riscosso anche al debutto negli Stati Uniti d'America Massimo Lopez ritorna a grande richiesta in Italia con il suo One Man Show "Ciao Frankie" che propone per la prossima stagione teatrale 2010/2011. Lo spettacolo di Massimo Lopez è un divertente slalom tra l'appassionante repertorio musicale di Frank Sinatra ed il trascinante intrattenimento del pubblico, tra un brano e l'altro, fatto di divertenti monologhi sui più svariati argomenti, le sue irresistibili e a volte "improbabili" imitazioni unite ad una buona dose di esilaranti e coinvolgenti momenti di pura improvvisazione che contagiano nella risata oltre che lo spettatore anche tutto il cast. Massimo Lopez in questo spettacolo/varietà di circa due ore, è accompagnato dalla Big Band Jazz Company con gli arrangiamenti e la Direzione Musicale del Maestro Gabriele Comeglio e dall'attore spalla, Giuliano Chiarello. La regia dello spettacolo è di Giorgio Lopez, affermato attore e doppiatore (voce di Danny De Vito e di Dustin Hoffman), egregio regista che, insieme agli autori e con la Produzione della Stemal di Alessandro Lopez, è riuscito a confezionare uno spettacolo di raffinato livello.

Esistono infiniti modi di raccontare la medesima storia. Telemaco non ha ricordi del padre, non ha memoria di un particolare accento, di un suono, un misero profilo. Esistono infiniti luoghi dove si può raccontare una storia. La Puglia del ventunesimo secolo, il bar della piazza. Mario Perrotta lo sa. Il mito e il quotidiano si mescolano e i veri eroi sono solo quelli strappati al quotidiano.

Thomas & lorenzo presentano i loro spettacoli in tutta Europa in 4 lingue diverse (italiano, francese, tedesco e inglese). Nei loro sketchs si muovono con numerose gags su un terreno realistico. In collaborazione con il regista Ferruccio Cainero hanno sviluppato uno stile comico musicale che riunisce classicità e clowneria. Entrambi diplomati alla Scuola Teatro Dimitri e al conservatorio di musica da anni si esibiscono in teatri, festival musicali e show televisivi divertendo spettatori di tutte le età per un totale di oltre 1.500 spettacoli! Smoking Chopin è la raccolta di un materiale distillato nel corso di oltre dieci anni di spettacoli. I numeri che lo compongono sono una serie di bis legati da un filo sorprendente. Le emozioni vengono espresse con la musica, con la mimica e attraverso dialoghi bizzarri e assurdi. Il pezzo si mantiene leggero muovendosi in uno spazio incline alla musicalità e alla poesia.

Dopo il grande successo dello spettacolo Il Clown dei Clown, David Larible, il più grande clown del mondo, debutta proprio a Barletta con la sua nuova creazione, Destino di Clown. Un clown arriva a teatro convinto di doversi esibire, ma il palcoscenico è già occupato da un altro artista. Gli stratagemmi di un pagliaccio frustato che cerca di mostrare la propria arte. Larible porta in scena per la prima volta degli sketch inediti per il palco, ma già presentati di fronte a migliaia di spettatori in tutto il mondo. E ancora una volta riesce a stupire e a far sognare oltre che a ridere a crepapelle. Scopriamo un David alle prese con una montagna di piatti, con un lanciatore di coltelli, persino alle prese con un numero di grande illusionismo. Il grande artista, il cui personaggio è ispirato dal Monello di Chaplin, continua a coinvolgere gli spettatori nelle sue gag, alcune delle quali sono state rodate nientedimeno che con artisti del calibro di Jerry Lewis. Il Clown d'Oro, accompagnato dal raffinato Gensi (clown bianco) e dal pianista Stephan Kunz presenta un nuovo spettacolo in grado di rapire il cuore ad ogni tipo di spettatore. Uno spettacolo impossibile da perdere!

Protagonista della vicenda è Sir John, con le sue esuberanti smargiassate da guascone, la sua sovrabbondante figura, la sua pletorica simpatia cialtrona, il suo amore per la crapula e il bicchiere e la sua irresistibile, endemica disonestà viziosa e bonaria. Con gli occhi di oggi, lo considereremmo un diverso, sia per verbo che per figura, un avverso al presupposto bigotto di una società borghese. Ma la tessitura della commedia stessa, va oltre l'apparenza e, per andar al di là del detto che "l'apparenza inganna", proprio d'inganni e scherzi, per lo più perfidi, questa è avviluppata. Amori e amanti , guasconi maldestri e burocrati vacui, mariti gelosi e golosi mercanti, mercenari allettanti ed infingardi, ci racconteranno la storia che, come nelle migliori tradizioni teatrali, verrà in alcuni parti rafforzata dalla partitura musicale, sottolineando di volta in volta momenti o comici, o grotteschi, o romantici. Rispettando appieno la struttura voluta e pensata da Shakespeare, proponendo allo spettatore, in luogo dei cinque atti, i più canonici e moderni "due più intervallo", si lascerà indubbia la correlazione ai Nostri tempi e alle Nostre vicende sociali, sottolineando qua e là lo scherzo, acre e cattivo, denominante una società che pedissequamente ripete i suoi stilemi, nei confronti di chi viene considerato un diverso, sia per aspetto, che per attitudini o usi.

"Ciak si gira!": frase magica che evoca il momento in cui l'artefice del cinema crea il sogno, è il titolo con il quale l'artefice Brachetti ci porta in un sorprendente viaggio nell'universo cinema. In una serie di numeri, momenti teatrali ed evocativi, Arturo rivive il suo amore per la settima arte e cerca di riportare la meraviglia degli effetti speciali e delle magie del cinema in uno spettacolo dal vivo dove vola, sparisce si trasforma da solo in una sessantina di personaggi. Arturo interpreta, con cambi fulminei dicostume, i personaggi che popolavano i film del pomeriggio TV, quelli che tutti noi abbiamo visto e amato fin da piccoli: Zorro, Mary Poppins, Maciste, Crudelia De Mon, cowboys, corsari e avventurieri. Brachetti racconta e fa rivivere tutti i personaggi più famosi: da Baby Jane ai musicals... ma anche la storia di Lon Chaney che, chiamato anche lui l'uomo dai 1000 volti, fu il pioniere dei trucchi facciali di personaggi diventati icone, come il fantasma dell'opera, Quasimodo e Fu-Manchu. L'evocazione del mondo di Fellini chiude la prima parte dello spettacolo. La seconda parte dello spettacolo è quasi interamentededicata ai grandi film hollywoodiani con una parata di personaggi da fare invidia a una cineteca: Charlie Chaplin, Gene Kelly, King Kong. Liza Minneli, Gollum, Harry Potter, Carmen Miranda, E.T., Darth Vader, e molti, molti altri.

"Semianyki" è la voce russa per l'italiano "famiglia", ed è un ritratto folgorante e denso di umorismo di un interno casalingo grottesco.

Follia poetica e umorismo corrosivo sono ben mixati dalla leggendaria compagnia Licedei di San Pietroburgo, il primo teatro russo di clown e di mimi, creata nel 1968 da Slava Polunin, il più grande clown vivente, il russo che ha trasformato un ruolo secondario da circo in protagonista da teatro. Lo spettacolo racconta della lotta interna al potere di una famiglia sgangherata, fra un padre alcolizzato che minaccia di andarsene, una madre perennemente incinta e un esercito di piccole pesti che sembrano voler uccidere padre e madre. Una serie di rapidi quadri surreali dipinge la quotidianità di questa "normale" famiglia russa. Senza l'uso delle parole, ma solo attraverso una mimica poetica, unione di corpo e di sguardi che va dritta al cuore scatenando il riso e la commozione. Lo spettatore viene portato dai Licedei nella vita quotidiana del popolo russo, fatta di nostalgia, difficoltà economica e gioia di vivere, un vero trittico della perestrojka post-sovietica.

Negli anni '60 in un immaginario paesino della Murgia pugliese un gruppo di ragazzi si riunisce nello stanzino del Circolo Culturale del paese e mette su un gruppo musicale: I Mammasantissima.

Suonano i brani che si sentono alla radio, Carosone, Buscaglione, ma anche i nuovi successi jazz che arrivano da lontano, lontanissimo.

Si suona per vincere la noia, per darsi arie da grandi jazzisti quando si passeggia nella piazza del paese, per far colpo sulle ragazze all'uscita della Messa, per il piacere di stare insieme.

E nel frattempo si sogna l'Ammerika. Una storia del Sud, del suo "pensare meridiano" che non è altro che un rimanere eternamente sulla soglia, spettacolo-concerto dove con grande gioco e ironia si racconta la tragedia delle lucertole che sotto l'impietoso sole del sud rimangono immobili sulla propria pietra ad aspettare...

Ma racconta anche della forza del Sogno, che da queste parti, è ancora solo di piccoli grandi eroi.

Andrea Di Marco e Nando Timoteo, cantano, suonano a volte provano a ballare ma soprattutto fanno ridere.

Il loro spettacolo è un continuo gioco che usa la musica come materia prima, ma è anche una carrellata di sketch e battute esilaranti.

Andrea prende le canzoni, le strappa, le stropiccia e le incasina come fa un bambino con il pongo. Nando descrive tutti i modi ,a volte "delicati", di come si possono usare le persone attraverso un caleidoscopico avvicendarsi di personaggi.

In scena prendono vita personaggi di varia umanità, da un cantante yodel che canta un mondo limpido e dei buoni sentimenti venato da un macrabo cinismo, a un "tenores" sardo o uno stornellatore romano.

Uno spettacolo che fa della parola recitata un fulcro ma non si ferma ad essa, poichè finalmente c'è una regia che utilizza in maniera appropriata sì il verso concepito da Shakespeare, ma anche lo spazio e la visualità con grande sensibilità, competenza ed inventiva, senza sterile esibizione di dotta sapienza, ma nemmeno con superficiale piattume. Uno spettacolo che abbraccia il pubblico senza spaventarlo con pomposi allestimenti o supponenti elucubrazioni, ma che, proprio per questo, riesce ad esibire una dotta conoscenza del testo e della macchina teatrale. Degli attori, tutti protesi in un lavoro di grande impegno espressivo, è bene sottolineare il vigore passionale che diventa prima sentimento vendicativo e poi dolorosa contrizione con cui Danilo Nigrelli ha fatto rivivere Otello. L'irresistibile verve con cui Luciano Saltarelli condisce il solitamente insipido personaggio di Roderigo, suscita più di un consenso da parte del pubblico e, soprattutto, la straordinaria forza con cui lo stesso Cirillo interpreta Jago. Cirillo dona al suo personaggio una forza affabulatoria assolutamente trascinante, riuscendo a far diventare profondo e consapevolmente corrotto quello che rischiosamente sarebbe potuto risultare semplicemente un carattere ben compilato.

Verte su un duplice binario la nuova produzione a serata della Pneuma Dance Theater, Les Liaisons dangereuses, e del suo coreografo Mauro de Candia. Nel proporre una nuova e intrigante rilettura del celebre romanzo, il coreografo riparte dalla felice esperienza del suo Casanova, il sorriso del diavolo (2003), lezione postclassica nella dialettica coreografica, e lo fa attraverso una delle narrazioni più famose, mai presentata sino ad oggi in Italia da una compagnia di danza. In un mondo dove la reputazione è tutto, Les Liaisons dangereuses si presenta come un vero e proprio "thriller della seduzione" che introduce lo spettatore in una vicenda di desiderio, fascino e ripicca. De Candia costruisce una coreografia ben calibrata, dove l'intensità drammatica dei sentimenti progredisce lungo l'azione: gli sguardi furtivi e la diffidenza esitante animano un gioco barocco dove ci si fa la corte. Poi la conquista amorosa e la resistenza all'attrazione sboccia sulla passione amorosa e senza riserbo.

La danza, forte di un linguaggio plastico vibrante e di una tensione dolcemente controllata, si innerva di accenti penetranti, pur senza mai tralasciare un'accuratezza estetica, trovando il suo perfetto equilibrio di forme e limpidezza di linee, tipiche dello stile di de Candia.

La forza del suo personaggio sta nella comunicativa e nella rinuncia a trucchi e maschere: il costume semplice ed una faccia veramente "da schiaffi" ne fanno un indiscusso protagonista.

Il suo personaggio è un ottuso perdente che attira la simpatia dello spettatore.

"Il nostro mestiere è fare ridere, rallegrare le persone. Il pubblico ha bisogno di distrarsi e divertirsi. Il clown è una seconda faccia come uno specchio. Non puoi far ridere se non ridi prima di te stesso. Fare il clown è un lavoro difficile, ma anche meraviglioso. Adoro la gente ed il pubblico ed è per questo che faccio questo lavoro. Nello spettacolo sono un perdente, ma contemporaneamente anche un vincente. Le due cose stanno insieme, sono due facce che coesistono nel mio personaggio. È la vita: ciascuno di noi perde e vince, alterna momenti vincenti ad altri perdenti".

Un gruppo di 10 attori sotto la guida di un bizzarro quanto dispotico regista, che impone una recita a soggetto con lo scopo di innalzare la sua messainscena ad opera viva e, quindi, immortale; in opposizione alle opere d'arte imprigionate nella loro forma e, quindi, inequivocabilmente morte. Un pubblico di spettatori e di critici spazientito che si ritrova ad interagire e a colloquiare con gli artisti in un gioco di teatro nel teatro in cui vertiginosamente si passa dal tono della commedia al tono del melodramma per, infine, sfiorare la tragedia.

Tali e tante occasioni offre questo altro grande classico del teatro, dimenticato o, erroneamente, considerato datato e superato, con il quale la compagnia gank continua la sua particolare ricerca teatrale con un inno alla "vita" intesa, pirandellianamente parlando, come continuo movimento in contrapposizione alla forma sinonimo di quiete e di morte.

Quattro attori di oggi che mettono in scena un testo scritto da uno di loro che parla di quattro terroristi clandestini negli anni di piombo. In un sistema italiano, scivolato senza rimedio verso l'abolizione delle più elementari tutele per i giovani lavoratori, del posto fisso come miraggio e della distruzione della meritocrazia, osserviamo come vivono quattro trentenni fra i più precari di tutti i precari: gli attori.

Chiusi in un spazio sotterraneo, come topi operosi, alle prese con le prove di uno spettacolo sui brigatisti, lavorano, si confrontano, litigano, sperano e si deprimono.

Si scontrano sull'attualità delle "necessarie nuove forme del teatro", e si convincono che l'unico sbocco per uscire alla luce del sole è farsi recensire dal critico più potente d'Italia.

Il potente critico, divenuto ormai una vera ossessione, non fa fede alla sua promessa di assistere allo spettacolo, gettando nello sconforto la banda dei quattro. Accecati dal delirio combattente dei personaggi che interpretano sulla scena, sequestrano l'autorevolissimo personaggio, alla maniera dei sequestri delle prime cellule brigatiste degli anni '70, costringendolo con le cattive a vedere il loro lavoro.

Sono le continue sorprese e il susseguirsi di icone parlanti a caratterizzare l'ultimo spettacolo di bianchi&pulci in cui i migliori personaggi che li hanno contraddistinti all'interno dello storico gruppo comico dei cavalli marci si alternano ai nuovi personaggi di estrazione televevisiva: da dolce e gabbana al tifoso della lazio er vertebra che ripercorre il filone demenziale surreale dei cavalli marci.

Ma non solo: il presidente dell'inter Massimo Moratti vittima di un incubo ronaldo tutt'altro che riconoscente per i favori ricevuti; il giudice Santi Licheri con le sue improbabili cause, il mimo estremo MARCELLUS e il ballerino di Tip Ciap.

Questi ed altri personaggi sorprendenti in uno spettacolo che nell'arco di 1 ora e venti sfiora le 200 risate.

Dopo la fortunata esperienza nell'ambito del progetto Arcipelago Circo Teatro, che ha esplorato le potenzialità del teatro acrobatico, di figura e di piazza, Pantakin prosegue il suo percorso di ricerca nell'ambito del Nouveau Cirque con una nuova produzione.

A dirigere questo spettacolo è stato chiamato il regista olandese Ted Keijser. Con lui un cast di attori e artisti circensi di diversa nazionalità (Italia, Belgio e Svizzera). Al centro di questa ricerca è la figura del Clown che diventa trait d'union tra la spettacolarità del circo e la poesia del teatro.

La spettacolo narra la storia di un piccolo circo alla disperata ricerca di stupire il suo pubblico con numeri strabilianti che possono vivere però solo grazie alla fantasia degli spettatori, guidati dalla forza evocativa della musica. Cinque gli attori in "pista", cinque personaggi con caratteri e abilità differenti, che vivono e fanno vivere in scena la fantasia dell'immaginifico per poi ritrovarsi semplicemente a fare i conti con le piccole grandi difficoltà del vivere quotidiano. Una vita quotidiana che si trasforma in circo. La pertica cinese, la giocoleria, l'acrobatica e la clownerie trasformeranno un banale litigio in una rissa acrobatica, una dichiarazione d'amore in una esplosione di fuochi artificiali. Perchè cos'è la vita?! Nient'altro che una tragedia tutta da ridere!

Alla ricerca dell'ES, dell'altra parte di sé, o della propria vera identità. Morire per vivere una vita diversa. Ritrovare attraverso mille morti la propria unica ragione d'esistere. Scoprire la propria vera identità al di là delle convenzioni che ci hanno formato. Insomma viaggiare a ritroso dei sé o dei risultati di sé abbandonando la scorza delle apparenze per tentare una scoperta definitiva del proprio io.

Liberandosi dalla pesantezza d'una proposta troppo vincolata alla struttura letteraria, Tato Russo fa propria la materia del testo per riscriverla in commedia, nello stesso linguaggio drammaturgico che sarebbe stato di Pirandello, nello sforzo palese e riuscito di una costruzione per il teatro.

Il romanzo sembra così recuperato e acquisito al repertorio delle commedie del Nostro in modo definitivo.